공공의’ 사전적 의미를 검색해 보았다. ‘특정의 개인 또는 단체가 아닌, 불특정 다수의 사람이나 그 시스템을 사용하는 모든 사람이 이용할 수 있는 상태’. 이용자가 주체가 되어 컨텐츠를 만들어내는 지금의 미디어 시대에 ‘공공의’라는 사전적 의미가 명료하게 다가온다.

1인 미디어가 성행하면서 우리는 그 장르를 명확하게 단정하거나 인식하기 힘든 콘텐츠의 홍수 속에 살고 있다. 수동적으로 TV 혹은 스마트폰을 통해 콘텐츠를 보는 이용자 혹은 소비자가 아닌, 능동적인 주체자 혹은 생산자가 되어 일상을 중계하고, 다양한 콘텐츠들을 양산한다. 이용자가 주체가 되어버린 미디어의 형태는 기존 방송사와 제작사의 성격마저 바꿔 버렸다. 변화하는 이런 상황에 대응하기 위해 방송사와 제작사의 채널들이 유튜브에 부가적인 콘텐츠를 양산하기에 이르렀다.

이용자가 미디어 콘텐츠 산업에서 주체로 나설 수 있었던 이유는 여러 가지가 있겠지만, 크게 두 가지로 볼 수 있겠다. 콘텐츠를 제작하는 장비나 기기에 대한 쉬운 접근성과 제작한 콘텐츠에 대한 피드백을 바로 받을 수 있는 아프리카TV와 유튜브같은 플랫폼의 등장이다.

카메라는 소형 Camcorder나 DSLR이 이미 4K 이상의 영상과 기동성을 지원하고, 쉽고 편리해진 카메라의 조작성과 Gimbal 및 소형 조명기기 같은 주변 장비들이 시중에 즐비하게 출시되어 부족할 수 있는 촬영 기술을 상쇄하는 역할을 하고 있다. 금전적으로 넉넉치 않게 시작하는 1인 미디어의 경우는 스마트폰과 간단한 보조 장비들로 대신하기도 한다.

편집은 기본적인 스마트폰 앱으로 일정 수준의 색보정과 자막까지 가능하고, 전문적인 Premiere Pro나 Final Cut Pro도 간단한 편집의 경우는 수많은 주체자가 제작해서 플랫폼에 업로드한 영상을 통해 어렵지 않게 기본 교육을 받을 수 있다.

이처럼 이제는 PD, 촬영감독, 편집자 등의 기술적인 부분이 공공의 영역이 되어 버렸다.


공공의 영화

1인 미디어의 약진 속에서 그나마 저지선을 지키고 있는 곳은 영화 영역이다. 혼자서 오롯이 Pre-production(사전 계획단계), Production(촬영 진행단계), Post-production(후반작업, 배포까지)을 한다는 것은 적어도 제도권 영화(상업 단편/장편) 안에서는 역사에 있지도 않고 불가능하다. 그나마 예외로 둘 수 있는 것은 다큐멘터리 영역이지만, 그 마저도 온전히 앞에 ‘1인’을 붙이는 것은 불가하다.

단편 및 독립영화는 제작 발표를 특별히 하지 않는다. 각 제작사마다 제작 공정 순서는 달라질 수 있으며, 공정이 마무리될 때 까지는 지속적으로 진행된다. 대부분 상단의 표와 같은 제작 공정을 거쳐 완료된다.

우리는 우연히 걷던 길거리 또는 TV에 소개되는 모습을 통해서 알게 모르게 영화 제작 현장을 봐왔다. 많은 인원이 촬영 장소마다 가득하고, 여러 형태로 차량과 인원 통제가 이뤄지며, 큰 목소리가 오가는 마치 복잡한 시장을 보는 듯한 모습. 영화 영역의 저지선은 누군가가 일부러 쳐버린 것이 아니라, 그런 현장의 모습을 보며, 혼자서 영화를 만들어 보겠다는 생각 자체에 이미 스스로 저지선을 그어 버렸을 것이다. 영화는 혼자서 제작하는 것이 절대 불가능하고, 본인과는 괴리가 있다는 체념으로.

그런 영화 앞에 ‘공공의’라는 말을 붙인 것은, 영화를 어떻게 만드는가를 알게 된다면, 영화 역시 이용자가 아닌 주체자로서 접근할 수 있지 않을까 생각해서다. 실제로 이미 스마트폰 영화제, 29초 영화제, 시민 영화제 등 일반인들을 대상으로 한 영화제와 영상 공모전이 개최되고 있다.

영화 제작이 막막하게 생각될 때, 그 제작의 과정을 훑어보면, 한결 영화 제작에 대한 심리적인 접근성이 쉬워질 것이다. 어떻게 영화 제작에 접근할 수 있을지에 대한 생각과 고민을 시작으로, 필자가 직접 연출했던 단편영화를 예시로 제작 공정에 대해 살펴보겠다.

실제 필자가 영화과를 졸업한 후에 제작한 첫 단편영화를 독립영화제에 지원하기 위해 작성한 양식의 일부다.

영화 제작을 어떻게 시작해야 할까?라고 자문을 해본 적이 있을 것이다. 앞서 언급했던 제작 공정에 나와 있듯이 시나리오를 먼저 써야한다고 대부분은 생각할 것이다. 필자 자신을 돌이켜봐도 시나리오가 우선이었다. 만약, 지금 누군가 처음 영화를 제작하려 한다면, 이전에 진행했던 영화제의 지원 양식이나 본인이 지원하려는 영화제의 지원 양식, 즉 포맷을 먼저 보고 시나리오 개발에 들어가라고 말해주고 싶다.

영화제 양식은 홈페이지 또는 인터넷 검색을 통해 여러 영화제의 것을 구해서 볼 수 있다. 양식들을 봐야 하는 이유는 영화제마다 요구하는 포맷이 다를 수도 있기 때문이다. 만일, 사전에 시나리오를 가지고 후원을 받아서 영화를 제작하는 것이라면, 그 이후 마케팅과 여러 비용 문제 등이 해결될 수 있겠지만, 아무런 계획 없이 무턱대고 제작하는 경우, 영화제에서 요구하는 포맷에 맞추기 어려워 영화를 제작해 놓고도 방치할 수밖에 없을 확률이 크다.

영화제의 지난 양식은 다음 해에도 같을 확률이 높고, 여러 영화제에서 요구하는 양식의 포맷에서 공통적인 부분들을 확인하면, 영화 제작에 참고하여 화면 비율, 사용 언어(외국어 자막이 필요할 수 있음), 상영시간 제한, 요구하는 색상, 최종 제출 파일형식 등에 맞춰 어느 정도 기술적인 예상 정도를 가늠하기에 용이하다. 필자의 경우도 첫 영화를 52분 23초라는 단편영화 규격에 맞지 않는 포맷으로 제작하여 많은 영화제에 지원하지 못한 경험이 있다.

영화제 지원을 위해서가 아니더라도 여러 양식을 보고 영화 제작을 시작한다면, 시나리오적인 것 외에 영화 후반 공정에서 영화가 완성될 때, 상업에서 요구하는 평균적인 영상 포맷을 확인해 본다는 것에서 도움이 될 것이다.

단편 영화제에 참관해서 출품된 영화를 많이 보는 것 역시 큰 도움이 된다. 그 영화제에서 지향하는 분위기를 알 수 있고, 단편은 장편과는 다르게 짧은 축약된 시간 안에 감독의 메시지를 전달하기 때문에, 표현 방법이 기발하기도 하고, 장편에서 얻을 수 없는 재미가 있다. 또한, 단편은 장편의 한 단면을 보여주므로, 영화를 제작하는 기초 훈련이라 할 수 있다.

해마다 다양한 형태의 영화제가 개최되고, 일반인들도 참여해 볼만한 영화제들이 많다.

영화제는 아주 중요하다. 영화를 시작하는 사람, 영화감독을 꿈꾸는 지망생들에게도 계속해서 작업해 나갈 수 있는 동기를 제공하기 때문이다.

본인이 영화를 찍고 싶지만, 영화를 보기만 했지 배운 적도 없고, 경험이 전무하다면, ‘시민 영화제’나 ‘초단편 영화제’를 검색해 보길 바란다. 초단편은 비교적 접근하기 쉽고, 다양한 방식으로 제작이 가능하다. 단기간에 완성해서 영화제에 제출하기 까지 영화 제작에 관한 경험을 해볼 수 있고, 수상의 영예까지 안게 된다면, 지속적인 동기 부여가 될 것이다.

실제 필자 주변에도 회사에 다니면서 주말에 잠깐 직장 동료와 함께 DSLR 카메라 한 대로 29초 영화제에 지원해 수상한 이력이 있는 지인도 있다. 한 문장의 시놉시스와 A4 한 페이지 정도의 콘티면 영화 제작이 가능하다. 간편하게 제작한 첫 영화를 많은 사람이 보는 영화제에 제출할 수 있는 좋은 기회다. 그러니 혹시 마음만 가지고 망설이고 있다면, 초단편 영화제를 지원해보는 것을 추천한다.

초단편이라도 장비에 대한 부담이 전혀 없지는 않다. 그러나 요즘은 장비 대여업체들도 많이 생겨나고, 가격도 저렴한 편이다. 조명도 필요 없다. 물론, 조명을 꼭 사용해야 하는 상황이라면 어쩔 수 없지만, 초단편 영화에 장비 예산을 과하게 쏟다 보면, 배보다 배꼽이 커지거나 오히려 역효과를 볼 수 있기에, 그러한 지점은 본인의 여건에 따라 합리적인 판단을 하는 것이 좋을 듯하다.

스마트폰으로 촬영해도 무관하다. 기술적인 문제를 걱정한다면, 소형 Gimbal이나 삼각대 대용의 여러 가지 장비들이 있으므로, 대여를 하거나 장기적으로 보고 구매를 하는 것도 나쁘지 않겠다. 렌즈 역시 스마트폰에 장착 가능한 다양한 렌즈들과 보조기기들이 많이 나와 있으니, 장비에 대한 금전적인 비용 문제는 메인 카메라를 스마트폰으로 놓고 생각하면, 보완이 가능하다.

영화 자체가 거대한 자본이 필요한 것은 부인할 수 없는 사실이며, 단편도 적지 않은 비용이 든다. 그리고 영화과를 졸업했거나 영상 관련 일을 하지 않았다면, 스탭으로 함께 할 수 있는 사람을 찾는 일도 만만치 않다. 그렇기에 더욱 초단편 영화제가 첫 영화 제작에 도전하는 데 어렵지 않게 참여해 볼 수 있는 창구가 아닌가 생각된다.


단편영화 <오늘의 경계>

2016년 1월 초에 제작한 단편영화 <오늘의 경계>는 두 번째이자 마지막이 된 연출작이다. 2014년 영화과 졸업 후, 첫 단편영화 <파편들>을 제작했는데, 많은 영화 지망생과 마찬가지로 혹독한 신고식을 치러야 했고, 1년 반 정도는 후폭풍이 심했다. <오늘의 경계>는 첫 단편작업에서 받은 영향을 하루라는 시간으로 압축한 소품집 영화다. 영화는 완성됐지만, <오늘의 경계> 역시 좋은 결과는 얻지 못했다.

영화의 타이틀이자 결말 부분으로, 주인공 ’현수’가 다시 마음을 추스르는 순간이다.

두 편의 단편영화를 촬영하는 과정은 물론이고, 필자 자신의 영화를 돌이켜 볼 여유가 거의 없었다는 것이 마음에 남았다. 일부분만 떠올려봐도 문제가 많은 작업이었는데, 분석까지는 못하더라도 실패의 과정에서 얻을 수 있는 최소한의 교훈마저 외면한 것이 내심 아쉽다. 나의 실패담이 누군가에게는 타산지석이 될 수 있길 바라면서 제작기를 복기해 보려 한다.

현장 스토리보드. 첫날 촬영분의 일부 콘티





영화의 시작

영화 연출자라면 잊어서는 안되는 만고의 진리가 있다. 영화를 보는 대상은 내가 아닌 타인이라는 것이다. 지극히 개인적인 이야기를 소재로 쓰면 안된다는 말이다. 혹여 쓰더라도 Reference가 있어야 한다. 이 보편적인 사실을 의외로 간과하는 경우가 많다. 아쉽게도 필자의 첫 번째 영화와 두 번째 영화는 모두 그것을 간과했다. 돌이켜보면, 간단한 Logline에도 불구하고, 시작부터 마무리까지 시나리오를 쓰는 것이 순조롭지 않았다.

첫 촬영의 첫 슬레이트



시놉시스

영화과 졸업 후, 두 번째 개인 단편영화를 준비 중인 현수. 아침 출근길 인파에 섞여 오늘도 여느 때와 다름없이 카페로 출근하듯 시나리오를 쓰러 간다. 만석인 카페들을 뒤로 하고, 사람이 없는 카페를 찾아 헤매던 현수는 조용한 카페를 찾게 되고, 그곳에서 꿈이라고 하기에는 밋밋한, 현실이라고 하기에는 꿈같은 일들을 겪는다.


연출 의도

이 시대의 청춘을 생각하면, 88만원 세대, 3포, 4포, 5포 같은 것이 떠오른다. 취업 준비생들은 기한 없는 스펙 쌓기에 열중하며 시간을 버틴다. 기분 전환을 위해 만난 지인과의 만남에서는 한숨 소리가 끊이지 않는다. 길거리와 뉴스에서, 친구와 나의 모습에서 발견하는 삶의 무게는 퍽이나 무겁다. 학교를 졸업한 후에 30대를 맞으며 첫 영화를 찍었다. 그러나 영화제에 모두 떨어지며 좌절감을 맛봤다. 30대를 지나며 느낀 것은, 여전히 무의미하게 흐르고 있는 시간 속에서도 최소한의 의미를 찾아 살아가야 한다는 것이었다. 무의미하게 흘려보낸 시간에 대한 자기반성과 무기력한 청춘의 모습을 '나'를 투영한 '현수'라는 가상의 인물을 통해 보여주고 싶다. 지금도 길거리와 지하철, 카페를 떠돌며 하루를 보내고 있는 또다른 ‘현수’들의 공감을 얻는 영화를 만들고 싶다.

영화의 중간 지점에서 흑백으로 화면 전환이 이루어진다. 흑백장면에서 주요 사건이 이뤄지는데, 꿈과 현실을 오가는 현수의 혼란스러운 상황을 관객들에게 효과적으로 전달하고 싶었다.



시놉시스와 연출 의도는 2016년 시나리오를 완성하고 적어 놓았다. 연출 의도를 오래간만에 읽으니 거창한 느낌이 든다. 영화 시나리오의 첫 시작은 소재를 생각하는 것이다. 경험에 비추어 볼 때, 다른 주변 연출자만 보더라도 처음 소재와 Logline이 정해지면서 스케치된 영화의 컨셉이 완성된 영화와 크게 다르지 않은 경우가 대부분이다. 그래서 소재 선택에서부터 Logline 한 문장의 결정이 중요한 것이다. 연출자에게 확고한 Logline이 있다면, 그 이후부터는 모든 것이 선명하고 명확하게 풀려 좋은 한 편의 영화가 나올 것이라 생각한다.

현장 메이킹 모습과 영화 스틸 이미지. 영화의 야외 촬영은 대부분 돌발상황에 대비할 마음의 준비를 해야 한다. 골목길 장면 촬영 당일, 자동차 2대가 주차되어 있었다. 일반 단편영화다 보니, 사전에 맡아 놓을 수도 없는 상황이었고, 차주에게 계속해서 연락해 양해를 구해야 했지만, 전화를 받지 않아 인근 카페에 대기하고 있어야 하는 상황이었다. 시간대가 사전 리허설때와 달랐고, 미관이 좋지 않아 콘티를 수정하여 촬영을 진행하였다.

1월의 추운 날씨로 오전내내 야외 촬영이 진행되었고, 골목길 장면 지연으로 다들 지친 상황이었다. 지인 찬스로 인근 카페에서 따듯하게 대기할 수 있었다.



촬영장비

<오늘의 경계>는 Canon 5D Mark III로 촬영했다. 이유는 계속해서 사용해왔던 익숙함 때문이었다. 영화를 하면서 항상 장비부분에서는 크게 중요도를 두지 않았다. 촬영을 하는 촬영감독이 따로 있기에 신경 쓰지 않아도 된다고 안일하게 생각했다. 그리고 장비에 대해서 크게 관심이 없었다.



촬영 장비는 감독이 영화를 완성했을 때, 감독의 시선이 된다. 곧 그 시선이 관객에게 메시지와 영화의 주제를 설명해주는 수단이 되는 아주 중요한 요소다. 그 중요한 장비를 당시에는 중요하게 생각하지 않은 것이다. 이미 독자분들은 잘 알고 있겠지만, 카메라가 회사마다 화각, 색감이 다르다. 그 다른 것을 아무리 색보정으로 보완한다 하더라도 어떤 카메라를 사용하는지에 따라 차이를 보인다. 그런 기술적인 부분을 무시한 것이다. 이제서야 말하지만, 후반에서 어떻게든 되겠지라는 생각도 자리잡고 있었다.

영화 초중반의 스틸 이미지. Close-up과 Extreme Long Shot으로 대비되는 장면이다.



당시에는 예산 문제로 조명은 제외하고 촬영에 임했다. 시나리오상 주간 촬영이 주된 이유도 있었다. 영화는 다양한 컷을 촬영해야 하기에, Close-up부터 Bust Shot, Middle Shot, Long Shot, Extreme Long Shot까지 렌즈를 다양하게 활용해야 한다. 그러나 렌즈도 표준 렌즈와 망원 렌즈 2개만을 사용했다.

다시 당시로 돌아가서 촬영장비를 선택해야 한다면, 금액적인 부분과 콘티상의 예상 리스크를 생각해서 DSLR이 아닌 Camcorder를 선택할 것이다. 렌즈의 심도와 화각이 고정되어 있어 기동성의 측면에서 렌즈를 별개로 들고 다니지 않아도 되고, 망원과 광각까지의 범위를 커버할 수 있다. 렌즈와 DSLR 카메라를 대여하는 비용을 합하면, 단편영화 촬영용 Camcorder 대여 비용 정도는 나올 것이고, 조명까지 빌리지 않겠다면, 더욱이 Camcorder를 사용하는 것이 현명한 판단이었을 것이다.

영화의 결말부. 스케줄상 총3회차 촬영에서 2회차의 실내 카페 촬영 장면이다. 당시 19시까지 촬영하는 조건으로 카페를 빌렸다. 이 마지막 장면은 거의 까페 대여 종료시간에 임박해서 서둘러 찍었던 기억이 난다. 겨울이라 해지는 시간이 짧았고, 따로 준비한 조명이 없어서 내부가 어두웠다. 카페 내부 조명과 LED 미니 조명으로 겨우 촬영했는데, 시나리오상에는 오전 시간대를 의도했지만, 조명이 없었기에 후반까지 오전 시간대의 분위기를 내기에는 한계가 있었다. 이처럼 돌발상황에 대비해서라도 조명은 필수다.

현수가 카페에서 전 여자친구를 맞닥뜨리는 장면이다. 우측의 책장이 원래 좌측벽에 있었는데, 옮겨 놓고 촬영을 진행했다. 영화를 다 찍고 나서 좌측벽의 곰팡이가 눈에 거슬리기 시작했다. 항상 촬영하면서 디테일한 부분에 신경을 못 쓴 것이 아쉬움으로 남는다. 저 벽의 곰팡이를 볼 때마다 영화 포스터를 붙여 놓을 걸, 뭐라도 사용해서 가려 놓을 걸 하는 넋두리를 한다.

현장 사운드는 2인 1조로 움직인다. 모니터링을 하는 오디오감독과 마이크를 장착한 붐 폴을 들고 있는 붐 어시던트 두 사람이 서로 사인을 주고받으며 녹음을 한다.

마지막 이미지의 카페 씬은 촬영감독과 오디오, 연출인 필자, 3명을 제외한 스탭들이 모두 엑스트라로 들어가 현장감을 만들었다. 이 씬의 경우, 장면을 모두 촬영하고 나서 스탭들의 떠드는 목소리를 따로 녹음하고, 현수의 걷는 발소리, 카페의 커피 내리는 소리 등 후반 작업에서 많은 부분이 사운드 디자인 과정을 거쳤다.



모든 현장을 통제한다면 많은 부분이 수월해지겠지만, 일반 독립단편영화는 통제가 불가한 경우가 많다. 통제가 불가능 할 경우에 제일 먼저 신경 쓰이는 부분이 오디오다. 오디오를 녹음하기 힘든 부분은 후시녹음으로 현장음을 만든다. 야외에서 대사 씬이 있으나 여러 이유로 지연이 지속되면, 최후에는 배우들이 영화 촬영 후에 후반에서 자신이 연기한 영상을 보며 후시녹음을 한다. 영화가 완성되었을 때, 사운드의 역할은 아주 크다. 소리의 공간감이 이질적으로 조절되면, 사운드에 대하여 잘 알지 못하는 사람들도 그 이질감을 고스란히 느낀다. 영화 사운드는 까다롭고도 예민한 작업 공정이다.




Reference

영화를 꿈꾸는 사람이라면, 자신이 세상에 없는 새로운 창작물을 만들어내겠다고 거창한 포부를 품는다. 필자도 그랬다. 새로운 창작물이란, 적어도 제도권, 대중 상업영화에는 없다. 오랫동안 전세계의 거장들이 만들어 낸 문법들이 축적되어 만들어지는 것이 현대의 대중 상업영화이기 때문에, 적어도 내가 제도권 안에서 어떤 영화를 만들고 있는지 성찰해야한다. 그리고 자신이 동경하는 감독이 제도권 안에서 어떻게 영화를 만들어 왔는가, 어떤 장르에 속하는가를 Reference 삼을 필요가 있다.

예로 아핏차퐁 위라세타쿤, 안드레이 타르코프스키, 장뤽 고다르와 같은 감독의 영화를 Reference로 삼겠다고 그들의 영화의 한 Shot만 가지고 그대로 따라 한다면, 그것이 내가 좋은 Reference를 삼았다고 얘기할 수 있을까? 이미지가 본인의 시나리오 속 장면을 잘 대변해 준다면 사용해도 좋다고 말할 수 있겠다. 하지만, 그것은 Reference로 삼은 감독들이 왜 그 장면을 그렇게 찍었고, 그 이미지와 장면으로 무엇을 얘기하는 것인지를 온전히 이해했을 때의 이야기다. 그리고 그 감독들이 제도권 안에서, 그러니까 영화의 시작과 현재의 세계관 안에서 어떤 위치에서 어떤 작업을 하고 있는지까지 생각해 보아야 한다.

필자가 영화과에 다닐 때, ‘Shot by Shot’이란 수업이 있었다. 5명 정도가 한 조를 짜서 영화의 한 시퀀스를 복사와 붙여넣기 하듯이 촬영하는 수업이었다. 회의를 통해, 그 장면의 샷 사이즈부터 컷이 넘어가는 편집점, 촬영 움직임까지 똑같이 촬영하기 위해 많은 디테일한 부분을 분석하고 신경 써서 촬영했다. 심지어, 배우들의 연기하는 동작까지 연기 전공생들이 재연했다. 지금 생각해보면, 이 수업이 자신이 본 영화를 어떻게 자신의 작업에 적용해야 할 지를 알려주는 수업이었다. 이쯤 되니, 왜 나는 당시에 그렇게 하지 않았을까 하는 의미 없는 생각을 해본다.

위부터, A Man Escaped, Robert Bresson, (1956), L'Argent, Robert Bresson, (1983)

당시에는 로버트 브레송(Robert Bresson) 감독 영화의 이미지들 생각하며 시나리오 작업단계에서부터 글을 썼다.

당시 로버트 브레송(Robert Bresson) 감독의 영화와 에세이를 보며 시간을 보내고 있던 터라, 자연스럽게 시나리오 작업과 콘티에서 컷을 구성하면서 그의 영화를 Reference로 삼았던 것 같다. 대부분 그의 영화에서는 손이나 배우의 행위가 사건과 감정선을 끌고 간다. 실제로 영화를 보게 되면, 중요한 순간에 무엇인가를 행할 때, 손의 움직임을 Close-up하여 Long Take로 보여준다. 영화 안에서 배우들은 슬프거나 분노해야 하는 순간에 눈물을 보이거나 슬픈 연기를 하거나 분노의 연기, 기쁨의 연기를 일절하지 않는다. 눈물 대신 배우는 머리를 쥐어짜는 행위를 한다. 그래서 로버트 브레송 감독 스스로가 배우를 모델이라 부른다.

L'Argent, Robert Bresson, (1983) 과 오늘의 경계

Le Diable Probablement, Robert Bresson, (1977)과 오늘의 경계


로버트 브레송 감독의 영화를 Reference로 삼았다고 해도 <오늘의 경계> 안에서는 효과적으로 보이지 않는다. Reference를 잘못 사용한 것이다. 사실 로버트 브레송 감독의 영화에 대하여 잘 알지 못했다. 그리고 지금도 잘 알지 못한다. 주관적 견해만 있을 뿐이었다. 그 주관적인 견해라도 영화에서 내가 말하고자 했던 전개와 잘 연결 지어졌어야 했다. 하지만, 그의 영화와 장면에 대한 철저한 분석도 해본 적 없고, 정확히 알지 못한 상태에서 Reference를 삼는다고 그것이 로버트 브레송 감독의 영화처럼 보일 리 없다. 이미지만 남는 것이다.

더군다나 로버트 브레송 감독은 앞서 말한 제도적 영화의 위치에서 보았을 때, 대중성 있는 영화 언어로 영화를 제작하는 감독이 아니었고, 자기만의 방식으로 영화를 제작해서 거장이 된 감독이기에, 섣불리 Reference로 하면 안됐던 것이다.

그렇다면, 어떤 감독을 나의 영화에서 Reference로 삼아야 할까. 본인이 좋아하는 감독이어야 하고, 잘 알아야 하는 감독이어야 한다. 그리고 그의 영화를 몇 번이고 다시 보고, 그 감독이 어떤 생각으로 저 장면을 만들었는가를 이해하고 정확히 알아야 할 것이다.

가끔 DVD를 사면 코멘터리가 담겨 있거나 메이킹이 있는 DVD가 있다. 그것을 보고 참고하는 것도 좋을 것 같고, 같은 감독의 필모그라피에 있는 작품을 모두 보고 공통된 장면과 줄거리상의 공통점들을 분석하면서 보는 것도 큰 도움이 된다.



Document Form

연출은 시나리오 작업을 마치고, 스탭 리스트를 확정하고, 배우들을 섭외한다. 그 과정에서 연출은 시나리오를 건넨다. 영화를 제작할 때 만드는 첫 문서다. 장편은 물론이고, 단편에서도 간소하게나마 공동작업의 편의성을 위하여 제작이 진행되는 동안 필요한 문서 양식들이 있다. 개괄적으로 훑어보자.

콘티와 스크립은 영화 제작에 있어서 아주 중요하다. 다른 문서는 불편한 점이 있겠지만 없다고해서 영화를 제작하는 과정에 크게 문제를 일으키지는 않으나 영화를 제작할 때 모두가 만드는 문서다. 위에 언급한 문서들은 단편영화를 제작할 때는 기본으로 만들어야 하는 필요 문서다. 문서의 양식은 인터넷 검색으로 쉽게 찾을 수 있으며, 정해진 양식이 없고, 본인이 문서 양식의 필요에 맞게 임의로 작성이 가능한 점을 알아 두면 되겠다.



마치며

영화를 만드는 과정은 심리적인 압박과 물리적 고통을 수반한다. 1인 미디어나 공공의 어떤 것들이 편리하게 공유되고 발전되어도 영화를 쉽게 완성하는 것은 어려운 일이다.

이 글은 서두에 밝힌 바, 영화를 쉽게 만들어보자는 의도가 아니다. 시작에 있어서 두려워하지 말자, 쉽게 접근해보자는 의도였다. 그것이 계획대로 설명되었는지는 모르겠다. 적어도 필자는 이 글을 쓰면서 당시에는 보려 하지 않았던 실패의 교훈을 보게 되었고, 그 교훈이 지금 나에게 영화에 대해서 다시 성찰할 수 있도록 알려준 계기가 되었다. 이 글을 읽은 누군가는 주체자로서 영화에 한 걸음 더 관심을 가지게 되는 계기가 되길 바라본다.

벽에 적힌 낙서를 바라보는 현수의 모습

‘초가을 감기에 걸렸다. 이렇게 계절 하나 쉽게 얻어지지 않는데, 무언들 쉽게 얻을 수 있을까.’ 촬영 현장에서 발견한 문구가 우연처럼 영화의 주인공 ‘현수’와 나에게 말하는 것 같은 기분이 들어서 즉흥적으로 찍게 되었고, 영화의 엔딩 크레딧 마지막에 사용하게 되었다.